De la Música electroacústica a la Música concreta

En los finales del Siglo XIX, la música que se hacía hasta entonces en la Europa, comenzaba a entrar por nuevos caminos, expresamente el surgimento del concepto de Atonalismo. Sin embargo, desde esta altura y durante toda la primera mitad del Siglo XX, muchos fueron los estilos que vinieron a innovar la manera de hacer música.

La Segunda Guerra Mundial, a pesar del efecto devastador que tuvo, acabó por traer indirectamente algunas ventajas. Una de ellas fue a buen seguro, el desarrollo tecnológico a varios niveles. Una de las áreas de gran desarrollo fue la industria del sonido y de las estaciones de radio que, con el fin de la guerra, se revelaron determinantes en el progreso de la música concreta. El periodo que se siguió fue de prosperidad y de crecimiento económico, lo que posibilitó la creación de incentivos la muchas empresas e instituciones. Las emisoras de radio, por ejemplo, fueron apetrechadas con estudios bien equipados e innovadores. De las nuevas invenciones, se destacan los micrófonos y los gravadores magnéticos (creados en 1939), estos últimos que posibilitaron por primera vez la mezcla de sonidos. Surge así el concepto de música electroacústica.

El concepto de "música electroacústica", sobre todo en la Europa, acaba por difundirse mucho en parte por los esfuerzos de la "Radiodiffusion Télevision Française" en París y por la Westdeutcher Rundfunk en Colonia. Ambos grupos tenían una identidad artística muy propia. El grupo del estudio parisiense se dedicó a su estilo propio "Musique Concrète" mientras el grupo alemán se dedicó a la "elektronische Musik". Las controversias entre estos dos grupos acabaron por instalarse ya que cada tenía su propia concepción de aquello que era la música electroacústica.

Como surgió?

Pierre Schaeffer, ingeniero electrotécnico y locutor de una radio Parisiense, inició las primeras experiencias en el estudio alrededor de 1948-1949. Las primeras composiciones de Shaeffer, que incluían la manipulación sonora por medio de la variación de la velocidad o del sentido de lectura de las grabaciones, tenían un efecto musical débil, muchas veces incoherente por su naturaleza fragmentária. En 1951, crea el Grupo de Investigación de Música Concreta (Groupe de Recherche de Musique Concrète – GRMC) después de establecerse en la R.T.F y asociarse al compositor Pierre Henry. Surgen así, las primeras composiciones con resultados más sustanciales: Symphonie pour un homme seul y la ópera Orpheé 51, esta última utilizando aparatos como el Morphophone y los Phonogènes, que funcionaban con grabaciones en cinta magnética.

Las diferentes opiniones entre franceses y alemanes llevaron Schaeffer a publicar el ensayo Esquisse d’un solfège concret que vino a reafirmar y sistematizar sus ideas en el panorama de entonces. Más tarde, en 1966, sus estudios lo llevaron a la publicación, de Traité des objets musicaux, con base en los estudios anteriores de Esquisse d’un solfège concret. En este trabajo, Schaeffer estableció 33 criterios de clasificación divididos pelas 3 dimensiones fundamentales del fenómeno sonoro – el plan harmónico, el plan dinámico y el plan melódico – que permitían 54 000 combinaciones distinguidas. Al intentar clasificar todos los sonidos producidos por objetos, dividió sus características en siete categorías distinguidas:

La textura: organización del sonido. La dinámica: descripción de la intensidad de las diferentes características del sonido; El timbre harmónico: calidades particulares referentes al color de los sonidos; El tipo de melodía: evolución temporal del espectro global del sonido, desarrollo de la melodía; Desarrollo de la textura: evolución temporal de las componentes estructurales internas de un sonido; Análisis de las irregularidades del sonido; Inflexão del sonido: análisis de los vibratos del sonido.

A pesar de los estudios profundizados que efectuó, Schaeffer no consiguió más del que meras conexiones pasajeras con compositores como Boulez, Messiaen, Milhaud, Varèse y Stockhausen, estos tal vez desencorajados por los resultados sonoros poco refinados.

A medida que técnicas de procesamiento electrónico se hacían progresivamente más endosos, los principios de la "musique concrète" acabaron por revelarse un poco desactualizados. Ante esta situación, Schaeffer intentó encontrar una perspectiva más universal - experiences musicales – lo que llevó a la aproximación del concepto inicial de "música concreta" al concepto de "Elektronische Musik".

Pierre Schaeffer, un radialista parisense, creó algunas de las piezas primarias de Musique Concrète, incluyendo "Étude aux chemins de fer" ("Estudio con trenes"), "Étude au piano I" ("Estudio al piano I") y "Étude aux casseroles" ("Estudio con panes franceses"). Cada una de esas piezas envolvía aumento de velocidad, looping y reversão en las grabaciones, que traían sonidos de trenes, pianos y un horno con ruidos. Schaegger también colaboró con otro pionero de la Musique concrète, Pierre Henry. Juntos, ellos crearon músicas como "Symphonie pour un homme seul" ("Sinfonia para un hombre solitario").

El estilo fue así quedar# con otra forma de música electrónica, más sintetizada, para crear "Poème électronique" de Edgar Varèse. La obra fue ejecutada en la World's Fair en Bruselas, Bélgica, en 1958, a través de 425 alto-falantes cuidadosamente posicionados en un pabellón especial desarrollado por Iannis Xenakis.

La compositora fictícia Hilda Tablet, creada por Henry Reed, habló sobre su creación de la Musique concrète renforcée.

Tras la década de 50, la musique concrète fue de cierto modo sustituida por otras formas de música electrónica, pero su influencia puede ser vista en la música popular a través de varias bandas, incluyendo los Beatles, en la música Revolution 9, y Pink Floyd (más notávelmente en la música "Bike"). Alrededor de 1967 y 1968, Frank Zappa compuso varias obras de musique concrète en el Apostolic Studios en Nueva York. El sonido resultante, oído en músicas como "The Chrome Plated Megaphone of Destiny" y "Dwarf Nebula Processional March & Dwarf Nebula", es una serie de ruidos y confusiones bizarros.

La Musique concrète tradicional (y la no-tradicional) tuvo su revival en las década de 80 y 90. Artistas como Ray Buttigieg, con sus series de experimentos "Earth Noise" y "Sound Science Series", y los Plunderphonics de John Oswald, usan sonidos aleatorios e intencionais, editados en la forma antigua, a pesar de la cinta magnética haber sido sustituida con la tecnología de samples.

Recientemente, la popularidad creciente de la música electrónica llevó un renascimento de la Musique concrète. Artistas como Christian Fennesz, Francisco Lopez, Ernesto Rodrigues y Scanner emplean varias técnicas del estilo en sus músicas, siendo clasificados bajo genêros más comunes de la música electrónica, como IDM o downtempo.